Künstler der Theorie: Evan Kinori

Interview von Isaac McKay-Randozzi

Aus einer Perspektive könnte man sagen, dass Evan ein Connecticut Yankee mit einer europäischen Seele und einer französischen Note ist. Seine östliche Direktheit, seine offene und doch höfliche Art zu sprechen und sein Leben zu führen, zeigt sich sowohl in seiner Textilarbeit als auch in seinem Skating. Bei beidem gibt es keinen überflüssigen Schnickschnack, viel Stil zweifellos, aber nichts Unnötiges oder Übertriebenes. Schlichtheit in der Form mit einer Ästhetik, die Einflüsse von jenseits des Atlantiks und Pazifiks aufgreift. Aus einer anderen Perspektive ist er ein Produkt seiner Zeit, aufgewachsen in den späten 90ern und frühen 2000ern spiegeln seine damaligen Vorlieben seinen heutigen Stil wider. Seine Jugend war nicht sesshaft, durch Umzüge von Ost nach West und nach Europa war er mit 18 weit gereist. Diese Lebenserfahrung hat dazu beigetragen, einen Menschen mit einer alten Seele und einer spezifischen Ethik zu schaffen, die sich durch alles zieht, was er tut. Dies, kombiniert mit einem starken Arbeitsantrieb, hat zu seiner Ein-Mann-Show einer Modelinie geführt, die in den letzten fünf Jahren gewachsen ist. Ein Projekt, das nicht nur um Mode geht, sondern darum, etwas mit Seele zu produzieren, das vom Knopf bis zur Naht existiert. Qualität, Vision, Elan und die bewusste Wahl, Materialien aus nachhaltigen Quellen zu beziehen, machen seine Kleidung besonders.

Evan Kinori: Porträt von Isaac Mckay Randozzi

Ein weiser Mensch sagte einmal: „Es kommt nicht auf die Anzahl der Freunde an, die wir haben, sondern auf die Qualität jeder Seele, die wir Freund nennen.“ Ich paraphrasiere den alten Meister vielleicht, aber Evans Wahl seiner Freunde und mit wem er sich umgibt und was sie über ihn sagen, zählt.

„Ich erinnere mich, wie ich vor ein paar Jahren nach SF fuhr und 2-3 Wochen auf seiner Couch schlief, und ich habe ihn kaum zweimal gesehen, weil er jeden Tag wie ein Verrückter arbeitete, um seine Marke auf den Weg zu bringen. Obwohl ich nicht mit ihm abhängen konnte, war es wunderschön, dieses Engagement und die Leidenschaft zu sehen, die er für das hat, was er tut. Und jetzt zu sehen, was er mit seiner Marke erreicht hat, bin ich begeistert für ihn. Ich wünschte, er würde immer noch in Paris leben, das waren erstaunliche Zeiten.“ – Soy Panday

„Evan ist ein Schüler des Spiels. Das ist es wirklich. Es gibt keine Magie oder Geheimnisse. Eintauchen kombiniert mit aufmerksamer und systematischer Beobachtung – das ist sein Ansatz. Ich denke, das ist offensichtlich in allem, was er tut. Sicher gibt es Kreativität, harte Arbeit und all den anderen Blödsinn. Aber für mich ist er die Verkörperung dessen, warum es wichtig ist, seine Wurzeln zu kennen.“ – Trevor Thompson

„Evan Kinori, der Koala-ähnliche Skateboarder, Modedesigner und Französischsprecher, war so freundlich, sich bei meinem allerersten Besuch in San Francisco, vor fast zehn Jahren, um mich zu kümmern. Seine Leidenschaft für Skateboarding, Mode und die französische Kultur hat ihn zu einem kreativen und nonchalanten Charakter gemacht, zu dem ich seitdem aufgeschaut habe. Merci Evan!“ – Leo Valls.

„Evan behauptet, ich sei im Schlaf in sein Zimmer gegangen und hätte Gras von ihm gestohlen. Er hat den Kopf auf den Schultern, aber ihm fehlen ein paar Schrauben. Er ist Familie. Die Definition des Urban Dictionary. Evan hat mich wochenlang bei sich aufgenommen, als ich kein Zuhause hatte, mir Sponsoren besorgt, mich mit seinen alten Drogen-Teppichen eingekleidet, mich verprügelt, wenn ich betrunken nach Hause kam, mich zu Familienfesten eingeladen und mir ständig gute Ratschläge gegeben. Er ist die beste Art von Freund.“ – Ben Gore

 

Heel Flip: Foto von Jean Feil

Wie lautet dein voller Name und wie alt bist du?

Evan Kinori, 29einhalb Jahre jung.

Du bist in Connecticut aufgewachsen, aber hast San Francisco lange Zeit als deine Heimat bezeichnet. Wann bist du nach SF gezogen und wie alt warst du? Was hat dich an die Stadt gezogen?

Ich bin 2006 nach SF gezogen, einen Monat nach meinem Schulabschluss – ich war also 18. Ich hatte die Stadt während meiner Kindheit mehrmals besucht und mich hier immer wie zu Hause gefühlt. Damals spürte man noch wirklich die Vielfalt der Kulturen, die in dieser technisch gesehen ziemlich kleinen Stadt, fast schon einer Kleinstadt, aufeinandertrafen – es half auch, dass einige Verwandte in der Bay Area verstreut waren.

Du hast auch viel Zeit in Paris mit Skaten verbracht und Freundschaften mit vielen Leuten aus dieser Szene geschlossen. Wie wurde das zu einem festen Bestandteil deiner Reisegewohnheiten?

Meine Eltern lebten eine Weile in ihren Zwanzigern in Paris und sind überzeugte Frankophile – daher wuchs ich mit dem Einfluss französischer Musik, Sprache und Kultur auf, die irgendwie mitschwangen. Ich hatte das große Glück, während meiner Kindheit immer wieder dorthin reisen zu können, und später im Studium verbrachte ich ein Semester in Paris, was die Freundschaften, die ich dort habe, wirklich festigte. Es ist wirklich eine der lustigsten Städte, um sich herumzuschieben – ich denke, es hat etwas, schnell durch eine „alte Welt“-Stadt zu fahren und die Leute ein bisschen entsetzt von einem zu sein.

Ich traf dich zum ersten Mal im DLXSF-Laden Ende der 90er/Anfang der 00er Jahre, glaube ich? Damals warst du von Kopf bis Fuß in Rasa Libre/I-Path gekleidet. Was zog dich zu diesem Vibe?

Ich weiß nicht, ob das so lange her ist! Wahrscheinlich im Bereich 2003-2005, aber ja, ich war ein voller Rasa-Soldat. Wenn ich meine Entwicklung im Skaten zurückverfolge, wusste ich nicht, wo ich hingehörte oder wen ich wirklich als 'mein Ding' identifizierte, bis ich Real to Real fand, was dazu führte, dass ich die heilige Dreifaltigkeit verehrte: Nate Jones, Matt Field und Kenny Reed. So waren natürlich I-Path und später Rasa Libre Marken, mit denen ich mich zu 100% identifizieren konnte – vom Anzeigenlayout über die Fahrer bis hin zum Produkt und sogar der Musik in den Videos.

Bis heute denke ich, dass Rasa Libre absolut die grafisch hochwertigste Arbeit aller Skate-Marken hatte – sie baute ihre eigene Identität von Grund auf auf und verließ sich nicht darauf, eine Campbell's-Suppendosen-Schrift zu nehmen und den Markennamen darin zu schreiben. Es gab eine gewisse Magie, die von allen Beteiligten zusammenkam – ich weiß, es ist leicht, es als „Hippie-Zeug“ zu bezeichnen, aber ich denke, jeder, der Rasa die Zeit und Überlegung schenkte, konnte diese Grafiken als weitaus raffinierter und eleganter empfinden, als fast jede im Skaten geborene Marke sie je berührt hatte. Das Team war unglaublich und Jack Sabback war wie das Versprechen einer neuen Generation von Skatern, die eine kosmische Verbindung zu den Vorvätern hatten, d.h.: Quim, Ricky, Ocean... Ich denke immer noch, wenn heute jemand etwas wie Ipath machen würde, wäre es großartig – Skaten als Industrie hat eine ziemlich große Lücke, wo I-Path und Rasa existierten.

Glaubst du, dass sich deine Entwürfe in diesem Stil und dieser Ästhetik widerspiegeln?

Ich denke, dass meine Gedanken zweifellos von diesen Marken und der abstrakten Vorstellung, die ich von der Welt hatte, die sie schufen, geformt und geprägt wurden. Einmal bemerkte Leo es sogar – er sagte, er spüre etwas von Rasa Libre in einigen der Textilien oder Kleidungsstücke, die ich hergestellt habe.

Einige deiner Stücke wirken schlicht, fast japanisch. Ist das nur meine Interpretation oder ein beabsichtigter Teil deiner Arbeit?

Ich bemühe mich sicherlich, die Dinge auf ihr Wesentliches zu reduzieren – zu versuchen, den Unsinn abzuschälen, um zu sehen, was der Kern eines Kleidungsstücks sein sollte. Was eine bestimmte Kultur betrifft – es ist eher eine nebulöse Mischung aus allem, was ich jemals gesehen oder für das ich mich interessiert habe. Die japanische Kultur ist definitiv ein Teil davon.

 

 

In welchem Video hattest du deine ersten Aufnahmen?

Black Squirrels Video von dieser kleinen Wisconsin Board Company – wir trafen uns in SF, als Trevor und ich etwa 15 waren? Und wir teilten uns einen Part in diesem Video von Kyle. Danach wahrscheinlich ein Magenta Gast-Trick oder Rasa-Edit...

Wie kam die Magenta-Verbindung zustande? Kanntest du Soy und Vivien aus Paris?

Ich traf Leo eines Tages, als Ben und ich im Panhandle in SF skateten – ein paar Leute hatten mir schon gesagt: „Du musst ihn treffen, ihr könnt Französisch sprechen und skaten!“ Also kreuzten sich schließlich unsere Wege und wir wurden wirklich gute Freunde. Er lud mich ein, Bordeaux im kommenden Sommer zu besuchen – also fuhr ich dorthin, was dann die Dreharbeiten für Minuit waren. Ich glaube, auf dieser Reise traf ich Soy und Vivien, und es war derselbe Sommer, in dem sie Magenta als Idee zusammenbrachten.

Ein Jahrzehnt später hast du deine eigene Bekleidungsmarke, die du mit deinen eigenen Händen herstellst und an Shows in Paris und New York teilnimmst. Wie bist du dazu gekommen, Kleidung herzustellen?

Ich wollte schon immer Skateschuhe herstellen – und als mir langsam klar wurde, wie sehr ich mich abmühte, einen Bachelor-Abschluss an der SF State zu bekommen, begann ich darüber nachzudenken, was ich sonst noch verfolgen könnte, wofür ich wirklich begeistert wäre. Ich habe mir Schuhprogramme angesehen, aber die waren alle ziemlich weit weg oder hätten weitere 4 Jahre CAD-Arbeit bedeutet und ich wäre immer noch nicht wirklich in der Lage gewesen, sie zu Hause oder gar in den USA herzustellen. Also denke ich, mein Fokus verlagerte sich langsam auf Kleidung – ich war schon immer wählerisch, was ich trug, und bewahrte eine Jacke oder ein Hemd von meinem Großvater oder Vater auf. Ich begann einfach, diesen Weg zu erkunden und fand mich in einem Schnittmuster- und Designprogramm an dieser Designschule in SF wieder.

 

 

Kannst du in der Kleidung skaten, die du machst? Können sie dem Missbrauch standhalten?

Natürlich – es sind keine bestickten Seidenroben für den Laufsteg, Isaac. Ich mache ziemlich klassische und praktische Sachen – mit Stoffen und Nähten, die ein Leben lang halten sollen. Dickies halten dem Missbrauch nicht stand, und sie werden als „Workwear“ bezeichnet – also sei vorsichtig, wie deine Wahrnehmung vom Kapitalismus geprägt wird!

Ich sage es dir ganz offen, Mann: Im Durchschnitt verlangst du etwa 300 Dollar pro Artikel. Ich weiß, sie sind handgefertigt und in einer Auflage von weniger als 100 Stück erhältlich. Warum machst du nicht mehr und verlangst weniger, damit mehr Leute sie sich leisten können? Was ist der Reiz daran, sie so limitiert und so teuer zu machen? Liegt es daran, dass du jedes Hemd, jede Jacke und jede Hose deiner Kollektion selbst herstellst?

Ohne belehrend oder schuldbeladen zu werden – formulieren wir es so: Wenn du schöne Stoffe verwenden willst, die aus guten Quellen stammen – das heißt, die Fasern (Baumwolle, Wolle, Hanf usw.) werden ethisch oder auf hochwertige Weise bezogen – und dann werden sie in einer Fabrik mit gutem Ruf gewebt, wo Arbeitskräfte geschätzt und respektiert werden – und dann verschickst du diese Stoffrollen und bezahlst Zölle – und dann lässt du diesen Stoff in einer kleinen Näherei in den USA schneiden und nähen, die du betreten und spüren kannst, dass es eine gute Atmosphäre ist und die Leute, die dort arbeiten, glücklich wirken – und obendrein legst du Wert auf eine gute, solide Verarbeitung – UND dann, nachdem all das erledigt ist, verkaufst du dieses Produkt an Geschäfte auf der ganzen Welt... Dann stellst du fest, dass meine Stücke eigentlich am unteren Ende des Preisspektrums liegen, was die Art des Produkts angeht.

Bist du deine eigene Sweatshop?

Nein – ich entwerfe und erstelle alle meine eigenen Schnittmuster (Papierstücke, die ein Kleidungsstück bilden) in meinem Atelier – und die gesamte Produktion findet dann in kleineren Nähereien in SF und LA statt.

Ist das inzwischen dein Vollzeitjob, oder hast du noch einen anderen Job, um über die Runden zu kommen?

Es ist jetzt seit etwa zweieinhalb Jahren mein Vollzeitjob – wofür ich sehr dankbar bin.

 

 

Du musstest dein Atelier/Showroom in den letzten Jahren ein paar Mal umziehen und bist jetzt an einem neuen Standort in SF's Hayes Valley. Glaubst du, dass du für eine Weile dort bleiben wirst?

Ja, ich bleibe eine Weile dort. Mein neues Domizil ist nah an meinem Haus und buchstäblich neben einem Flatground-Spot, an dem Ben und ich schon seit wahrscheinlich 6 oder 7 Jahren skaten.

Du hast mit Yoan Tallandier und Allen Danze zusammengearbeitet, um deine Videos zu erstellen und deine Kollektionen zu fotografieren. Bei so vielen modeorientierten Video- und Fotoleuten in SF, warum arbeitest du mit ihnen zusammen? Hat der Blick eines Skaters etwas, das zu deiner Ästhetik passt?

Ich möchte generell nicht mit „modeorientierten“ Leuten zusammenarbeiten – es macht viel mehr Spaß und ist sogar einfacher, etwas Einzigartiges oder Originelles zu schaffen, wenn man mit Leuten zusammenarbeitet, die nicht wissen oder sich nicht darum scheren, was es sonst noch gibt oder was vorher war – es ist wichtig, sich locker und kreativ zu fühlen, wenn man solche Dinge ausprobiert – denn es kann sehr leicht wie „modeorientierte“ Arbeit aussehen – was ich persönlich nicht wollte.

Ich habe meine eigene Firma gegründet, damit ich mit meinen Freunden zusammenarbeiten und gemeinsam etwas schaffen kann. Allen ist ein unglaublich talentierter Fotograf für sich, und ich hatte das Gefühl, dass sein Blick und sein Ansatz mit dem übereinstimmten, wie ich meine Arbeit präsentieren möchte. Yoan ist einfach Yoan – warum nicht versuchen, ein 16mm-Projekt mit ihm zu machen!

 

Backside Lipslide Transfer: Foto von Jean Feil

Du hast es so erklärt, dass du ein Jahr im Voraus arbeitest, wenn du deine Kollektionen auf den Pariser und New Yorker Modewochen ausstellst. Bedeutet das, dass die Produktion der Saisons bis dahin bereits abgeschlossen ist? Oder musst du, wenn du von diesen Reisen zurückkommst, die Produktion von, sagen wir, Winter und Frühling abschließen?

Grundsätzlich hat man zwei Präsentationen und zwei Produktionen pro Jahr – im Januar zeigt man die kommende Herbstkollektion, und direkt danach liefert man im Februar/März die Frühjahrskollektion aus – und dann präsentiert man im Juni die Stücke für den nächsten Frühling und liefert im August/September den Herbst aus. Man ist fast immer mit der Produktion beschäftigt oder bereitet sich auf die Präsentation vor.

Du hast kürzlich eine weitere Reise abgeschlossen, wohin ging es und was war der Zweck?

Ich war gerade in Paris auf einer sehr großen Textilmesse.

Wenn du zu so etwas gehst, was ist dein Ziel? Neues Material finden? Neue potenzielle Kunden treffen?

Diese spezielle Reise war für die Textilmesse – das Ziel ist also, sich mit Stofffabriken und Distributoren aus der ganzen Welt zu treffen, um den Stoff zu finden, mit dem man arbeiten möchte – alles ist da, von den größten Unternehmen bis hin zu kunstvolleren, kleineren Produzenten.
 

 

Wo kann man deine Kleidung außer auf deiner Website www.evankinori.com finden?

Ich arbeite derzeit mit knapp zehn Geschäften weltweit zusammen – 3 in Japan, eines in Antwerpen, eines in Rom und 4 in den USA – ich versuche, langsam zu wachsen und die Orte zu finden, die sich für mich und meine Arbeit richtig anfühlen und die sich zu langfristigen Beziehungen entwickeln werden. Langsam und stetig...

Du hast dich vor nicht allzu langer Zeit mit Mark Oblow getroffen. Gibt es eine Chance, dass ihr beide an etwas zusammenarbeitet?

Das wäre großartig – es ist erstaunlich, wenn Skateboarding eine Verbindung zu anderen Projekten außerhalb des Skatens herstellen kann, Zusammenarbeit/Gemeinschaft

Du bist nie als jemand aufgetreten, der Skateboarding als Karriere, als Fahrer oder in der Industrie verfolgen wollte. Hattest du jemals Ambitionen, für jemanden zu skaten?

Wie ich mir vorstelle, dass die meisten Skater es hatten, gab es sicherlich einige Jahre lang Ambitionen, „gesponsert“ zu werden – die Vorstellung, die Welt zu bereisen, neue Leute und Erfahrungen kennenzulernen und im Wesentlichen wie ein Künstler ohne festen Zeitplan zu leben, schien sehr verlockend. Für mich war es jedoch nicht natürlich, konsequent und motiviert genug zu sein, um zu versuchen, Filmaufnahmen und Fotos zu machen, im Grunde jedes Mal, wenn man skaten geht. Mein Skatingstil ist, was Tricks angeht, wirklich inkonsistent, daher die externen Variablen, rausgeschmissen zu werden, einen motivierten und produktiven Filmer dabei zu haben, der entweder an einem Projekt arbeitet oder bereit ist, dein Material jemandem zu schicken, der es tut, inspiriert zu sein, neue Ideen auszuprobieren – ich konnte in mir selbst kein hohes Maß an Disziplin finden, glaube ich.

Ich war schon immer mit Freunden zusammen, die auf diesem Niveau sind, und ein paar Jahre lang habe ich es irgendwie versucht und war begeistert von der Idee, Teile zusammenzustellen und Ideen zu haben, wie Tricks gefilmt werden könnten. Aber sich tatsächlich davon zu ernähren, scheint wirklich anstrengend zu sein – und man muss verstehen, wie man wirklich hart arbeiten und produktiv sein kann mit demselben Ding, mit dem man als 13-Jähriger mit anderen Kindern herumalberte. Nehmen wir Ben zum Beispiel – er arbeitet sich die ganze Zeit den Arsch ab, geht ständig skaten und filmt mit allen möglichen Leuten an allen möglichen Projekten – so viel könnte ich auf einem Skateboard niemals von mir selbst leisten!

Backside Nosegring Revert: Foto von Dan Z

 

Irgendwann empfand ich Skateboarding als meine persönliche Flucht vor dem Rest meines Lebens, einen Moment reiner Selbstentfaltung, der keiner Bestätigung von außen oder Kuratierung bedurfte – es wurde also etwas anderes für mich, nachdem ich das Glück hatte, eine weitere Leidenschaft (Design) zu finden. Es ist eine komplexe und schmerzhafte Veränderung, zu denken, dass etwas, mit dem man so intensiv verbunden ist und das man im Grunde als Linse benutzt, um die Welt zu sehen – nicht immer das Zentrum deiner Existenz sein wird, aber es kann immer noch eine wichtige Rolle in deinem Leben und deiner Identität spielen, nur nicht als primärer Ausdrucks- oder Fokusmodus. Ich denke, ich bin am glücklichsten, wenn ich durch die Innenstadt von SF fahre und vielleicht eine Kante skate, wenn wir nicht rausgeworfen werden.

Hast du jemals darüber nachgedacht, deine Marke zu einem Skateboard-Unternehmen zu machen?

Unglücklicherweise liegt die Herstellung eines qualitativ hochwertigen Produkts auf ethische Weise, insbesondere in den USA, weit außerhalb des Preisrahmens, der im Skating funktionieren kann. Also nein, schon während meiner Schulzeit wusste ich, dass, wenn ich ein Produkt herstelle, es nicht wirklich spezifisch für Skateboarding sein würde. Skater sollten sowieso alles in Secondhandläden kaufen – bester Preis und viele gute weite Cordhosen, Khakis und Button-Down-Hemden zur Auswahl, und meistens ohne Logos.

Ich könnte aber irgendwann doch noch eine Skateschuhfirma mit Chris Fireoved gründen...

Warum nicht Designs für ein größeres Unternehmen machen und einen größeren Scheck kassieren?

Stell mir diese Frage in zwei Jahren noch einmal – ich habe mir vorgenommen, es fünf Jahre lang selbst zu versuchen und zu sehen, ob ich mich selbst versorgen und Dinge zu meinen eigenen Bedingungen tun kann. Ich denke, es ist besser, früh zu versuchen und möglicherweise auf die Nase zu fallen, bevor man eine Hypothek oder Kinder oder andere epische Verantwortlichkeiten hat.

Ich kann die Bilder kreieren, die ich mir vorstelle und an die ich glaube, das Produkt liegt komplett in meiner Hand: Ich verwalte die Produktion und erstelle alle Muster und Proben, und das ganze Projekt ist sehr persönlich und erlaubt mir, meine kreative Vision auszudrücken und mit den Leuten zu interagieren, die das Produkt kaufen wollen. Wenn ich als Designer in einem großen Unternehmen arbeiten würde, würde ich die Ideen anderer Leute umsetzen, 9 Stunden am Tag am Illustrator sitzen...

Mr. Sprinkles hat den Teil für dieses Interview bearbeitet und gefilmt. Können Sie uns etwas über das Filmmaterial erzählen, wie alt ist es, war etwas davon in anderen Schnitten, die wir vielleicht gesehen haben?

Dieses Filmmaterial ist ein Remix meines Teils im Sprinkles-Video, das noch nicht im Internet war – es ist eine Mischung aus Aufnahmen der letzten 5 oder 7 Jahre, die ich in SF gelebt habe, mit einigen meiner Lieblings-Skater gemischt und ein paar neueren Sprinks.

 

Schaut euch Evan beim Ripping an, gefilmt und geschnitten von Zach Chamberlin

 

Die besten/schlechtesten Aspekte beim Filmen eines Parts in San Francisco.

Es ist wirklich das Beste, herumzufahren und zu sehen, was an einem bestimmten Tag passiert, wenn man cruist und eine Stelle findet und einen Clip bekommt – aber es kann schwierig sein, weil es eine kleine Stadt ist und nicht zu viele Spots, an denen man den ganzen Tag abhängen und sessionen kann – es ist eher der „in Bewegung bleiben“-Ansatz, was wirklich Spaß macht, aber schwierig zu filmen sein kann. Die Häuser sind aber das Beste, man geht einfach in die Avenidas und interpretiert die Landschaft Block für Block neu.

Was steht als Nächstes für dich und den Rest des Jahres 2018 an?

Ehrlich gesagt viel Arbeit. Der ständige Kreislauf von Design/Umgang mit dem Großhandelskalender/Produktion – ein kleines Unternehmen allein zu führen ist ziemlich verrückt, aber ich versuche, es nachhaltiger zu gestalten, während es wächst, und hoffentlich mehr zu reisen und einen Skate-Urlaub mit Chris (meinem zukünftigen Mitinhaber der Skate-Schuhfirma) zu machen.

 

Haben Sie letzte Worte für jemanden, der am Anfang seines kreativen Lebens steht?

Einfach hart arbeiten – ich denke, um eine Fähigkeit so weit zu entwickeln, dass sie Spaß macht oder zur Obsession wird, braucht es viel Hingabe und harte Arbeit, bevor man überhaupt das Gefühl hat, dass es etwas ist, das man wirklich tun möchte. In diesem Fall ist die Antwort auf alles, mehr Zeit dafür aufzuwenden – sei es ein Instrument zu spielen oder Kunst zu schaffen. Im Grunde muss man so viel arbeiten, dass man alle Anfangsphasen überwindet, bis die Dinge sich so weit entwickeln, dass man seine eigene Stimme in seinem gewählten Medium findet – und selbst dann sieht man, dass es (hoffentlich) niemals aufhören wird, sich zu entwickeln, und man immer weiter kreiert.

Skaten lehrt das auf eine unglaubliche Weise – man beginnt mit dem Board als Accessoire, um im Sommer draußen mit Freunden abzuhängen, vielleicht herumzufahren und dabei das Ollie und Kickflip zu lernen. Man wird sanft an den Arbeitsaspekt herangeführt, weil man einfach Spaß hat, während man das Fundament seines gesamten Skate-Lebens entwickelt. Dann wird man ein bisschen besser, so dass man schneller lernt, und es ist süchtig machend – 8 oder 10 Stunden am Tag zu skaten und eine Stadt zu erkunden, Spots zu treffen oder eine Wintersession im Skatepark. Und ehe man sich versieht, skatet man seit 10 Jahren und kann sich behaupten.

Skaten hat eine wirklich erstaunliche Art, den schwierigsten Teil, den Anfang, zu einer der schönsten Zeiten zu machen. Man merkt nicht, dass man nach den meisten Maßstäben seinen Arsch aufreißt und wie ein verdammter Samurai in der Ausbildung arbeitet, um an einen Punkt zu gelangen, an dem man sich und seine Ideen auf dem Board voll ausdrücken kann.

Ich kann mir nicht vorstellen, dass die ersten 2 Jahre Klavierspielen so sind – man muss allein sein und viele frustrierende und herausfordernde Momente durchstehen, in denen man denken wird: „Ich bin nicht gut darin“ oder annehmen wird, dass man kein Talent dafür hat – dabei ist Talent in Wirklichkeit etwas, das sich später offenbaren kann, nachdem genügend Grundlagenarbeit geleistet wurde. Beim Skaten ist man frustriert, wenn man den Bordstein nicht hoch-ollien kann, aber die ganze Crew versucht es, und einige sind besser, einige schlechter, aber ihr entwickelt euch alle und lenkt euch gegenseitig während des gesamten Prozesses ab. 

"Man kann nicht auf Inspiration warten. Man muss sie mit einem Knüppel jagen." - JACK LONDON

 

Mehr von Evans Arbeiten: http://www.evankinori.com/ https://www.instagram.com/evankinori/

 

Interview von Isaac McKay-Randozzi